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sobre o mundo da fotografia

NÃO PERCA A ESPONTANEIDADE!

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Kuwait, 1991, foto de Sebastião Salgado

Quando vir alguém que deseja ser fotografado fotografar, apronte de imediato, seu equipamento.

 Ajuste a abertura, dependendo de qual a profundidade de campo mínima desejada, ou inclua mais fundo. Se tiverem a pele escura, ajuste para a subexposição.

Antecipe o melhor ângulo – tendo em mente a direção da luz ambiente e o fundo, bem como o que o assunto está fazendo.

Procure interagir seu modelo com o cenário local. Isso o identificará melhor, conforme foto acima.

Se você considerar antecipadamente estes fatores, estará apto a trabalhar rapidamente após ter a permissão de fotografar. O resto envolve truques simples da vida: abordagem simpática, fazer contato visual, e dizer “Olá!” no idioma local.

Procure não interferir na pose ou na atitude do seu modelo, deixe-o a vontade fazendo suas tarefas habituais e registre os melhores momentos.

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LUZES: PRINCIPAL E DE PREENCHIMENTO

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As luzes principal e de preenchimento devem ser fonte de luz de alta intensidade coloridas em rebatedores parabólicos, conforme ilustração acima

Usualmente 250-500 Watts são suficientes para um ambiente pequeno. Se usar flash eletrônico, 200-400 watts são uma boa taxa de potência para retratos e produtos.

Os rebatedores devem ser prateados no lado de dentro para rebater a máxima quantidade de luz.

Se estiver usando difusor, sombrinhas ou softboxes, cada conjunto de luz deve ser apoiado num pedestal forte para evitar que tombe.

A luz principal, quando não difusa, deve ter aparas afixadas. Estas são chapas pretas, de metal e ajustável que podem ser abertas ou fechadas para controlar a largura do facho.

As aparas garantem que você ilumine só as partes do retrato que você quer iluminadas. Elas também mantêm a luz dispersa longe da lente da câmera, evitando reflexo na lente.

A luz principal deve ser equipada com um difusor, que nada mais é do que um pedaço de plástico fosco ou de acetado numa tela que se encaixa sobre o rebatedor.

Quando estiver usando um difusor sobre uma luz, assegure-se que há espaço suficiente entre o difusor e rebatedor para permitir que o calor escape.

A luz de preenchimento também deve ter aparas acopladas.

Se estiver usando uma fonte de luz difusa, como uma sombrinha, como luz de preenchimento, assegure-se que você não está “espalhando” luz para áreas indesejadas, tais como o fundo.

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FOTÓGRAFO, NÃO DIGA SEU PREÇO! PELO MENOS ANTES DE DIZER SEU VALOR

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Adelmo Dias Ribeiro/JusBrasil Quem nunca ouviu frases como: Qual o seu preço? Quanto fica mais ou menos o seu serviço? ATENÇÃO FOTÓGRAFO: ISSO É UMA ARMADILHA! Sim, é uma armadilha, e irei dizer o motivo. Quando focamos no preço, constantemente o serviço fotográfico será "caro". Informar o "preço" sem apresentar o valor é quase convidar o cliente à zona de reclamações. Tudo que focamos se expande! Na oferta de serviços, entregamos valor aos clientes, e não um preço. Portanto, antes de dizer o preço, esclareça para o seu cliente o seu valor. Sim, isto significa que o correto me parece apresentar o "preço" apenas após o bate papo inicial. É certo que a fotografia é plural. Há fotógrafos que atuam com varejões ou fotografia popular. Atuam com pacotes prontos. É a fotografia do atacado. Cada qual com sua regra. Esta com certeza não é a sua. Sim, é preciso agregar o valor, afinal, explique para o cliente o valor de seu serviço antes de dizer seu "preço". Não justifique seu preço. Você não tem preço. Repito: você não tem preço. Você entrega valor e um serviço jurídico de qualidade. Se você demonstra ao seu cliente estar disposto a entregar valor, dificilmente o cliente reclamará de seu preço. Este é apenas a retribuição por algo de verdadeiro valor. No final das contas, seus serviços acabarão ficando baratos. Entenda que antes de tudo você precisa educar seu cliente para que saiba diferenciar o que é um bom trabalho. Fonte: https://goo.gl/TF8Qn7 Aproveite para rever mais dicas sobre marketing nas suas apostilas, bibliografias e vídeos das aulas de fotografia dos cursos profissionalizante da Escola Focus. •FOCUS - Escola de Fotografia – Desde 1975: https://focusfoto.com.br • Conheça os cursos da Focus: https://focusfoto.com.br/cursos/ • Fale com a Focus: cursos@focusfoto.com.br Blog de Fotografia: https://focusfoto.com.br/blogs/ Fotógrafo, preço, valor, ideias, plano de saúde, clientes, serviço fotográfico, zona de reclamações, ofertas de serviços, fotografia cursos, amazon, Focus escola de fotografia, aulas de fotografia, cursos de fotografia sp, escolas de fotografia EAD, escola focus, cursos de fotografia presencial SP, Enio Leite, curso de fotografia online, aula de fotografia, fotografia profissional, focusfoto

Na fotografia, é frequente que nós (fotógrafos) sejamos questionados pelo cliente: “quanto fica prá fazer isso aí?”

Adelmo Dias Ribeiro/JusBrasil

Quem nunca ouviu frases como: Qual o seu preço? Quanto fica mais ou menos o seu serviço?

ATENÇÃO FOTÓGRAFO: ISSO É UMA ARMADILHA!

Sim, é uma armadilha, e irei dizer o motivo. Quando focamos no preço, constantemente o serviço fotográfico será “caro”. Informar o “preço” sem apresentar o valor é quase convidar o cliente à zona de reclamações.

Tudo que focamos se expande!

Na oferta de serviços, entregamos valor aos clientes, e não um preço. Portanto, antes de dizer o preço, esclareça para o seu cliente o seu valor. Sim, isto significa que o correto me parece apresentar o “preço” apenas após o bate papo inicial.

É certo que a fotografia é plural. Há fotógrafos que atuam com varejões ou fotografia popular. Atuam com pacotes prontos. É a fotografia do atacado. Cada qual com sua regra. Esta com certeza não é a sua.

Sim, é preciso agregar o valor, afinal, explique para o cliente o valor de seu serviço antes de dizer seu “preço”. Não justifique seu preço. Você não tem preço. Repito: você não tem preço. Você entrega valor e um serviço jurídico de qualidade.

Se você demonstra ao seu cliente estar disposto a entregar valor, dificilmente o cliente reclamará de seu preço. Este é apenas a retribuição por algo de verdadeiro valor.

No final das contas, seus serviços acabarão ficando baratos. Entenda que antes de tudo você precisa educar seu cliente para que saiba diferenciar o que é um bom trabalho. A imagem bem feita agrega valor para ele!

Fonte: https://goo.gl/TF8Qn7

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IRVING PENN E VOGUE

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Capa Revista Vogue, edição de Natal 1950 – foto: Irving Penn

A intensa concentração de Penn quando trabalha foi descrita por um editor da Vogue que colaborou algum tempo com ele: As sessões de Penn eram lutas psicológicas para os que nelas participam.

Ele sofria por essas fotografias como nenhuma moda merece que se sofra o meu próprio método entusiasta sucumbia sob o seu ataque, tenso, angustiado, em busca da alma.

Para Penn, qualquer sessão, seja quem for o retrato, é uma tentativa para exprimir a observação perfeita deste, que em geral, é isolado contra o fundo neutro característico e repetido.

Parece que Penn não tem qualquer segredo e publicou explicações em por menor sobre os meios técnicos utilizados para alcançar o resultado pretendido. Nas suas notas os Worlds in a Small Room, fala da devoção à Rolleiflex, do filme que emprega para a maioria das fotografias (Kodak Tri-X) e dos seus métodos para avaliar e releva-lo.

Na introdução aos catálogos das exposições que realiza dá explicações minuciosas das suas habilidades, incluindo as manipulações necessárias para confeccionar provas com sais de platina e fotografias a cores com pigmentos permanentes.

São, porém habilidades, que pouco valor teria sem o gênio com que Penn as utiliza para transformar composições aparentemente simples em imagens que além de representarem u brilho gráfico intrínseco e uma forte natureza simbólica, são cânticos mágicos às luzes e as sombras, líricos e ao mesmo tempo incisivos.

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SONY LANÇA CÂMERA COM AUTOFOCO MAIS RÁPIDO DO MUNDO

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A Sony anunciou o lançamento da A6400, câmera mirrorless de 24.2 megapixels atualizada com uma tela touchscreen traseira flip-up e o sistema de processador e autofoco “emprestados” da A9

Resumo Fotográfico

Em muitos aspectos, a câmera se assemelha à A6300 com um processador mais potente, autofoco aprimorado e uma tela sensível ao toque mais amplamente articulada, mas lançada a um custo um pouco menor.

Ele também adiciona a função timelapse que foi perdida quando a Sony deixou de oferecer aplicativos na câmera.

Como nos modelos anteriores, ela pode disparar até 11fps ou 8fps no modo de obturador silencioso, ambos com foco automático e capacidade de exposição, mas não visualização ao vivo.

Autofoco aprimorado

A maioria dos aprimoramentos foram dedicados ao foco automático. Isso inclui o aumento da velocidade com o “rastreamento em tempo real” aprimorado e o Eye AF animal prometido em uma atualização de firmware para sua câmera esportiva A9 de nível profissional.

Assim como os recentes modelos lançados pela Sony com sensor APS-C, a nova câmera possui 425 pontos de detecção que, combinados com o processador mais potente, permitem que a Sony reivindique o foco automático mais rápido do mundo.

As diferenças mais óbvias são que a Sony agora diz que seus algoritmos de reconhecimento e rastreamento de assuntos agora incluem detecção de olhos e padrões, além das informações de detecção de distância, cor e rosto com as quais eles trabalharam anteriormente.

O rastreamento AF de filme também foi melhorado. Como a A6300, o vídeo 4K com amostragem excessiva é tirado da largura total do sensor.

A câmera também oferece uma versão de 8 bits do padrão Hybrid Log Gamma para captura simples de vídeo HDR, permitindo a captura e exibição de uma faixa mais ampla de tons de maneira natural, nas TVs mais recentes. A empresa só promete compatibilidade com suas próprias TVs.

A Sony A6400 chega ao mercado por US$ 900, apenas o corpo. Cerca de US$ 100 mais barata que a sua antecessora, A6300.

Veja Vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=5hHT5XygrmQ&feature=youtu.be

Fonte: https://goo.gl/LWPyDD

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ESSE ESTUDO DA WETRANSFER TRAZ MUITAS INFORMAÇÕES VALIOSAS

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Pesquisa da empresa com mais de 10 mil clientes é um verdadeiro mapa de inspiração

Fhox News/Redação

Para quem sofre na hora de trabalho com a sua criatividade,  esse estudo da WeTransfer pode ser bem valioso.

Feito com 10128 usuários de 143 países, a pesquisa envolveu sete perguntas de como cada usuário faz para ter ideias. A primeira resposta (da maioria) envolve o óbvio: gastar mais tempo com experiências “analógicas”, como rabiscar em papel,  que ocorrem no mundo real ajuda na hora da inspiração.

E que atividades são essas? Conversar com amigos, viajar, livros, revistas e visitar museus e galerias.

Blogs e redes sociais não se saíram bem na pontuação do estudo WeTransfer Ideas Report.

Vale a pena clicar no relatório interativo que traz inúmeros infográficos com dados sobre comportamento e fontes de inspiração.

Acesse link: https://wepresent.wetransfer.com/story/ideas-report-2018/#/

Um projeto da WeTransfer em colaboração com a agência de conteúdo TCO London.

Fonte: https://goo.gl/s3Ncjr

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MARCO NA CARREIRA DE IRVING PENN

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Um marco importante na sua carreira foi à publicação em 1960 do primeiro livro (que continua a ser mais impressionante), Moments Preserved, resumo brilhante na forma de oito ensaios fotográficos e texto das suas realizações

Após um intervalo de 14 anos, seguiu a publicação de Worlds in a Small Room; e depois, Inventive Paris Clothes, 1909-1939, publicado em 1977, foi eclipsado pelo Flowers, magnífico na concepção e produção (1980).

Penn apresentou as suas obras em muitas exposições coletivas e individuais no Museu de Arte Moderna. O perfeccionismo e preocupação pela qualidade do positivo (sem dúvida que esta melhorou devido às oportunidades que teve de apresentar as suas obras) estiveram na origem do seu crescente interesse pela impressão das provas e do ressurgimento,

Em 1967, do arcaico processo do platinótipo. Com velhos ou criando imagens novas, Penn produziu provas sobre papel de uma qualidade excepcional, através da exploração do processo que utilizava platina em vez de emulsão de sais de prata.

A elaboração de um bom positivo é, porém, a última frase do processo de criação de Penn. Na base da sua parceria esta a capacidade de avaliar as qualidades da luz, e a sua intensa concentração mental.

Para ele, a iluminação é a que entra no estúdio vinda do Norte: Trata-se afirma de uma luz com claridade tão penetrante eu até os objetos mais simples que, por acaso recebem esta luz, refletem um brilho intenso, quase uma voluptuosidade.

As luzes elétricas são muito cômodas, mas penso que são utilizadas à custa da existência absoluta que o tema tem quando está diante da foto câmera de um estúdio que recebe a luz direta do norte.

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MESTRES DA FOTOGRAFIA – IRVING PENN – 1917 – Nova Jersey, Estados Unidos

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Penn faz que tudo seja extremamente difícil para ele próprio. Não utiliza artifícios nem recursos especiais, e só se serve da iluminação mais simples

As fotografias de Irving Penn têm qualidades perduráveis e a sua abordagem da arte é atemporal. Seja o que for que decida fotografar, a sua maior preocupação é absoluta, que são verdadeiros temas da fotografia, a sua essência, quando se libertam as superficialidades do estilo e da moda.

Apesar do evidente fascínio que sente pelas pessoas e objetos que põe diante da objetiva, as suas imagens são elaboradas também a volta da luz e da análise da forma de desenho e das tonalidades. Numa carreira que se prolongou por quatro décadas, Penn estabeleceu os seus próprios critérios exigentes, perseguindo aproximadamente as verdades fotográficas que defende.

O volume impressionante de trabalho que se constitui o fruto do seu labor demonstra a consciência das suas concepções, a medida da sua persistência, tornando-o merecedor do reconhecimento generalizado como um dos maiores fotógrafos de sempre.

Irving Penn nasceu em Nova Jersey, em 1917. Entre 1934 e 1938 estudou em Philadelphia Museum Scool of Industrial Art, na Pensilvânia, e publicou desenhos na Harper’s Bazaar.

Entre 1940 e 1941 trabalhou como desenhador publicitário para uns grandes armazéns de Nova Iorque, antes de embarcar em 1942 numa viagem de pintura para o México. Regressando um ano depois, Penn foi convidado a fazer as suas primeiras fotografias para a revista Vogue.

O desenhista em artes Alex Liberman percebeu o potencial de Penn e iniciou a colaboração entre o fotógrafo e Conté Nast, editores da Vogue – o que constituiria o fundamento da sua carreira como fotógrafo. Liberman e a Vogue eram suficientemente esclarecidos para concederem a Penn a maior liberdade criativa, e este apoio foi amplamente compensado as inúmeras páginas duplas sensíveis e elegantes que criou para a revista durante vários anos.

O trabalho de Penn engloba três categorias: moda, retrato e naturezas mortas. Porém, o método que utiliza faz que estas categorias por vezes se sobreponham, através da sagacidade do fotógrafo, temas que superficialmente são diferentes, passam a relacionar-se intimamente.

Através da objetiva de Penn, as tradicionais vestes de um marroquino são observadas com o mesmo respeito pelos valores hierárquicos e beleza intrínseca que um modelo de Balenciaga ou de Dior.

A pétala aveludada de uma flor murcha é analisada como um objeto que possui uma beleza abstrata e absoluta, do mesmo modo que os lábios ou as unhas do modelo, ou os restos estilizados da comida.

Penn manifesta igual interesse em captar a presença d um indígena da Nova Guiné ou o espírito de Picasso, Colette, um modelo da alta costura ou um limpador de janelas londrino. Penn tornou-se famoso, e o seu trabalho e estilo predominaram na década de cinquenta.

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ESPORTES E AÇÃO!

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Uma característica essencial da fotografia é a relação íntima e pessoal que se tem com a ação e o movimento

A fotografia fixa e  registra uma pequena fatia da sucessão de acontecimentos que realizam diante da foto câmera e congela um momento.

Desde o início da história da fotografia, esse foi um dos atributos mais fascinantes de câmeras que, algumas vezes deu até uma visão totalmente nova da autonomia da ação rápida.

As famosas sequências de animais em movimento de Eadweard Muybridge, efetuadas na década de 1880, foram preparadas para decidir uma aposta com o seu patrocinador a respeito de saber se as quatro patas do cavalo a galope estavam no ar ao mesmo tempo.

Foi necessário o aparecimento da fotografia para descrever as ações de um animal que o homem conhecia a milhares de anos o que demonstra como se podem utilizar os processos fotográficos para analisar e dissecar a experiência.

Devido à natureza do processo, a câmera não pode falhar ao captar o movimento numa só imagem permanente.

Porém, a ação rápida, especialmente em esportes apresenta características especiais, e para que seja abordada com perícia é preciso reagir om grande rapidez, saber como reage a foto câmera perante o movimento do objeto, e perceber a estrutura e as tensões da própria ação.

A qualidade mais especial para fotografar a ação, seja qual for o equipamento e as técnicas utilizadas, é a antecipação.

Uma ação rápida exige que o fotógrafo esteja preparado, e isso, por sua vez, depende da sua percepção e seu conhecimento da ação.

A fotografia de esportes talvez esteja mais relacionada com o movimento do que qualquer outro campo, e as melhores fotografias, evidentemente, são efetuados por pessoas que conhecem muito bem o tema.

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ESTÚDIO CASEIRO

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Para um trabalho de estúdio muito simples, uma luminária de mesa, flash com hazy (vide foto acima), uma folha de papel não amarrotada e alguns perdedores ou grampos serão suficientes

Para um melhor trabalho, use sua unidade de flash rebatida em sobrinhas equilibrado o WB para iluminação de flash ou para luz do dia, caso utilize luz mista da janela lateral fornecerão o necessário equilíbrio das cores.

Evite salas decoradas com cores vivas, para que não haja contaminação com as cores periféricas.

Se precisar de mais espaço, utilize um rolo de papel de cenário de 2 m de largura, suportando por um pau e sugere as lâmpadas a tripés ou com grampos. folhas de cartolina branca rígida, plástico ou contraplacado podem servir de refletores.

Uma luz intensa e suave fornecera o mínimo necessário para o trabalho. Se puder toda a divisão para um estúdio, tente faze-lo numa de boas dimensões. A altura é importante, uma vez que necessitará de espaço para pontos de visão elevados e baixos.

Para cálculo da superfície onde a luz será rebatida, verifique qual a distância que irá ser normal entre a objetiva e o tema e acrescente mais um ou dois metros para poder trabalhar atrás da câmera e para separar o tema do fundo.

Para acomodar todas as luzes, o melhor é uma sala com quatro metros de comprimento.

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